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sexta-feira, 30 de junho de 2017

KONG: A ILHA DA CAVEIRA (Kong: Skull Island) EUA, 2017 – Direção Jordan Vogt-Roberts – elenco: Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, Brie Larson, John C. Reilly, John Goodman, Thomas Mann, Toby Kebbell, Corey Hawkins -  118 minutos

                                                  VIDA LONGA AO REI 

Renovando a temporada de “filmes de monstros”, "Kong: A Ilha da Caveira" recicla o bom e velho King Kong, apresentando-o no maior tamanho até agora visto na tela (100 metros) e adaptando sua natureza para novos tempos. Um filme alucinante, bastante elegante, com referências a clássicos dos anos 1980 e 1990, e com um acabamento primoroso na fotografia, montagem, direção de arte, efeitos visuais. O diretor apresenta uma versão light de Zack Snyder. Mistura e estetiza games, quadrinhos e temas orientais com a cinefilia obrigatória pós-Nova Hollywood, de Steven Spielberg a Francis Ford Coppola. O filme não é ruim, mas também não é bom. Se a intenção então é se focar nos elementos trash de cinema de monstro, ela é atingida com maestria, seja nos designs das criaturas, nos excelentes efeitos especiais, ou nas empolgantes e grandiosas cenas de ação.


“Kong: A Ilha da Caveira" é vitaminado por doses constantes e aceleradas de muita adrenalina, orquestradas com precisa habilidade e um interesse tão gigante quanto o protagonista em reinventar a roda, ao mesmo tempo em que segue reverenciando-a. Este retorno muito divertido de um dos monstros mais icônicos do cinema se movimenta loucamente e atinge um equilíbrio entre ação insana e comédia. Nos aspectos visuais, tudo é um grande prazer. O filme ignora as armadilhas dos blockbusters de ação, evitando a montagem rápida e câmera tremida, para usar um estilo mais elegante de composições e ritmos. A grande surpresa não é o fato de "Kong: A Ilha da Caveira" ser dez vezes melhor que "Jurassic World"; é um espetáculo de história de origem sobre um monstro que é empolgante e inteligente. Repleto de sequências de ação em câmera lenta, é uma verdadeira homenagem à "Apocalypse Now" (1979).
Diverte com eficácia, reservando ainda espaço para o humor, particularmente nas cenas com o simpático capitão Marlow, e mexendo com o saudosismo ao brincar com a tecnologia da década de 1970. Visualmente o filme é inspirado. Os efeitos em computação gráfica são muito bem feitos. Mas, algumas vezes, perde força, abusa dos clichês, inclusive elementos batidos da história de Kong como sua obsessão por mulheres loiras. Felizmente a novidade da paisagem, a ação constante, as frequentes cenas de explosões e até a metragem não exagerada tornam o filme um passatempo bem eficiente. Não chega a ser indicado para crianças, mas foi dinheiro mais bem gasto do que muitos outros. Os efeitos visuais impressionam, há eficiente ambiência de terror e o surgimento de novas criaturas. Mas nem tudo é perfeito. Entre o grande prólogo e o saboroso epílogo, o roteiro anda em círculos, deixando a narrativa um pouco arrastada, mas mesmo assim vale o ingresso.

                A ETERNA LUTA FILOSÓFICA ENTRE O HOMEM E A NATUREZA




















quarta-feira, 28 de junho de 2017

ESSE MUNDO É DOS LOUCOS (Le Roi de Coeur) França / Itália, 1966 – Direção Philippe de Broca – elenco: Alan Bates, Geneviève Bujold, Pierre Brasseur, Jean-Claude Brialy, Adolfo Celi, Michel Serrault, Micheline Presle, Palau, Jacques Balutin, Françoise Christophe, Julien Guiomar, Pier Paolo Capponi, Madeleine Clervanne, Marc Dudicourt, Philippe de Broca, Yves Robert, Daniel Prévost – 102 minutos

UMA DELICADA ALEGORIA ANTIGUERRA


É um dos filmes mais encantadores e mais belos dos agitados, vulcânicos e loucos anos 1960. É um dos filmes mais marcantes, e mais memoráveis do cinema francês. É uma violenta sátira antiguerra, antimilitarismo, que demonstra, como num teorema, que louco é quem faz guerra. Que acreditam no ser humano; que mostram as hipocrisias, os pecados, as insanidades das pessoas e das instituições, mas apontam que tudo poderia ser muitíssimo melhor. O filme abusa das cores. Têm muitas cores fortes, vibrantes, quentes, em cada uma das tomadas. E, nesse detalhe das cores, ESSE MUNDO É DOS LOUCOS é primo-irmão de outros filmes marcantes, impressionantes, emblemáticos, que ao mesmo tempo refletem o espírito dos anos 1960 como também ajudaram a moldar esse próprio espírito: “Os Guarda-Chuvas do Amor” (Les Parapluies de Cherbourg -1964) e “Duas Garotas Românticas” (Les Demoiselles de Rochefort) - 1967), ambos de Jacques Demy, “As Duas Faces da Felicidade” (Le Bonheur -1965), da mulher de Demy, Agnès Varda, “Elvira Madigan (1967), do sueco Bo Widerberg.
Fracasso absoluto em seu país, o filme conheceu um imenso sucesso nos Estados Unidos, o maior mercado consumidor de entradas de cinema do mundo. Num país dividido ao meio entre os favoráveis e os opositores à intervenção militar no Vietnã, em meio a protestos constantes contra a guerra, o antimilitarismo, o pacifismo de “Esse Mundo é dos Loucos” (Le Roi de Coeur) caiu como maná abençoado no gosto dos estudantes, do nascente movimento da contracultura, os hippies etc. Na ficção de Philippe De Broca, o regimento de Alan Bates chega a uma pequena cidade do interior da França. Os habitantes, alarmados, fugiram, não sem antes abrir a porta do hospício. Quando Bates, que se chama Plumpick, se instala, os louquinhos mansos já tomaram conta do lugar. Num mundo ameaçado pela loucura da guerra, são eles os verdadeiros 'sensatos' - os racionais. Há quem diga que o filme sendo de 1966, antecipou-se e ajudou a criar o slogan "Faça amor, não faça guerra", que virou o emblema da geração paz e amor. Foi em 1965, simultaneamente à escalada da Guerra do Vietnã, que surgiu pela primeira vez o termo hippie no artigo de um jornalista de São Francisco que refletia sobre mudanças comportamentais da juventude da época. 
Na trilha aberta pela beat generation, esses jovens adotavam um modo de vida comunitário, tendendo a uma espécie de socialismo utópico e libertário. Nesse quadro, Plumpick abdica das armas para viver sua história de amor com Coquelicot, a doce Geneviève Bujold, que o diretor veste com a roupa da trapezista de “O Circo”, de Charles Chaplin, que também era o (inatingível) objeto de desejo de Carlitos. Decorrido todo esse tempo, é bom verificar que o impacto da cena final de “Esse Mundo É dos Loucos” permanece inalterado. Mas com certeza contribuiu para a aura do filme o desfecho em que o soldado, nu - e carregando a gaiola com o pássaro -, bate à porta da casa de loucos, pedindo permissão para entrar. No mundo que voltou ao "normal", os loucos precisam ser apartados e alienados de novo. E Bates não quer fazer parte dessa (des)ordem. “Esse Mundo é dos Loucos” espelha um estado de espírito, um comportamento libertário próprio dos anos 1960. Rever o filme é um pouco como viajar no tempo para encontrar a gênese da contracultura.

                   A ENCENAÇÃO DO ABSURDO EM TEMPOS ABSURDOS
    FÁBULA ANTIMILITARISTA QUE SE MANTÉM IMPLACAVELMENTE ATUAL 







domingo, 25 de junho de 2017

PERDIDO EM MARTE (The Martian) EUA / Inglaterra, 2015 – Direção Ridley Scott – elenco: Matt Damon, Jessica Chastain, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Michael Peña, Sean Bean, Kate Mara, Chiwetel Ejiofor, Mackenzie Davis, Sebastian Stan, Donald Glover, Benedict Wong, Aksel Hennie – 144 minutos

   UM BELÍSSIMO QUESTIONAMENTO POLÍTICO SOBRE SOLIDARIEDADE!!

Ridley Scott - o diretor de vários clássicos como OS DUELISTAS (1977); ALIEN – O 8º PASSAGEIRO (1979); BLADE RUNNER – O CAÇADOR DE ANDRÓIDES (1982); THELMA E LOUISE (1991); CRUZADA (2005); O GÂNGSTER (2007), entre outros -  realiza um filme emocionante, relevante e surpreendentemente divertido, equilibrando drama e o humor de maneira soberba, encontrando ainda tempo para apresentar uma bela seleção musical. Aqui ele volta à melhor forma em termos de entretenimento. Sem o tour de force de GRAVIDADE (2013) ou o papo-cabeça de INTERESTELAR (2014), PERDIDO EM MARTE é bem mais palpável.

Baseado no romance homônimo do escritor Andy Weir, a história começa no Planeta Vermelho, onde uma equipe de astronautas norte-americanos, chefiada por Melissa Lewis (Jessica Chastain), realiza um trabalho de campo. Até que uma tempestade repentina interrompe as pesquisas e eles têm de voltar imediatamente para a base. Atingido por uma antena, o botânico Mark Watney (Matt Damon, em brilhante atuação) é dado como morto e deixado para trás. Porém, sobrevive. E, até que o resgate chegue, vai demorar um intervalo de quatro anos, e ele tem que dar um jeito de se virar sozinho até lá. Só por não haver qualquer envolvimento romântico clichê, o texto já merece palmas de pé. É contagiante testemunhar o esforço criativo do astronauta, numa elegante montagem que, com grande senso de ritmo, alterna suas aventuras, pequenas grandes conquistas e eventuais frustrações. Se no livro o escritor consegue manter o leitor interessado pela qualidade do texto, no filme é Matt Damon quem faz esse papel. Seu Mark Watney nunca é reduzido à fácil figura do cowboy do espaço e suas reações diante das dificuldades da missão soam humanas.
O filme reserva uma boa parcela de surpresas – mais em função da própria abordagem de Scott do que pelo enredo, que segue por caminhos fáceis de prever. A principal dessas surpresas talvez seja o tom de leveza com que o roteirista e o diretor encaram o material. É narrativamente eficiente (por deixar o espectador sempre ligado), tematicamente interessante (tratando de um gênero tão delicado de forma tão simplória) e ainda abre margem para discutir um pouco sobre os benefícios da ciência. A diferença em relação aos outros filmes listados é a forma bem-humorada como o protagonista lida com as adversidades. O roteiro de Drew Goddard traduziu com qualidade a máxima que prega extrair graça da desgraça. É uma competente aventura espacial situada num futuro próximo que também restabelece a carreira ultimamente abalada de Matt Damon. E é o desempenho dele que segura o filme até o final. Ele está fantástico. O ator é capaz de alternar entre estados emocionais extremos, como euforia, depressão, esperança, desapego, tudo de forma muito convincente. Matt Damon, sozinho durante quase todo o filme, realiza uma de suas grandes interpretações, trazendo empatia e humor para uma história clássica: a luta pela sobrevivência em um ambiente hostil. Ridley Scott faz um filme de aventura que traz em sua essência um questionamento político sobre solidariedade. 


sábado, 24 de junho de 2017

VIDA (Life) EUA, 2017 – Direção Daniel Espinosa – elenco: Jake Gyllenhaal,Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Olga Dihovichnaya, Ariyon Bakare, Hiroyuki Sanada, Jesus Del Orden, Allen McLean, Mari Gvelesiani, David Muir – 104 minutos

                         ERA MELHOR QUANDO ESTÁVAMOS SOZINHOS 


O que torna este filme tão surpreendente é que ele segue à risca a fórmula sem desviar do caminho, sem reinventar ou refletir. Dirigido pelo sueco Daniel Espinosa, é um terror sci-fi extremamente competente, infelizmente prejudicado pelo setor de marketing que o vende como uma homenagem ao “ALIEN” (1979) de Ridley Scott. Esse tipo de estratégia causa um problema grave, insere o elemento da expectativa na equação. Não é por não ser um artesão imagético que Espinosa se furta em construir sequências de tirar o fôlego, e após a abertura voltamos a ficar impressionados com o surgimento da vida alienígena ao alcance dos dedos. Habilmente, Espinosa deixa o lado emocional, de sentimentos como medo e angústia, com o espectador, pela forma como captura as imagens e insere o público dentro da trama. Esta escolha ganha força pelo bom desempenho do elenco, que aposta na diversidade.

A partir do balé gerado pelos movimentos dos astronautas em ambiente sem gravidade, Espinosa extrai um belo e interessante plano-sequência através do qual os personagens e a própria estrutura da estação espacial são apresentados. Logo a seguir, uma trombada cósmica com um satélite artificial traz uma certa ação, por mais que tudo se resuma a efeitos especiais bem executados e trilha sonora que amplifique a tensão. Deste impacto vem o verdadeiro protagonista do filme: um ser unicelular, vindo diretamente de Marte. Após ser despertado a bordo, o tal ser ganha importância imensa: trata-se da prova inconteste de que há vida fora da Terra! O clima de entusiasmo logo toma conta não só da tripulação, como da própria Humanidade: a muitos anos-luz de distância, todos acompanham atentamente o desenvolvimento de Calvin, o marciano - nome escolhido a partir de um concurso entre crianças. A afeição imediata está estabelecida, mesmo que pouquíssimo se saiba sobre tal organismo.

Como em "ALIEN – O 8º Passageiro", a diversão é ver quem a criatura vai matar em seguida. Mas "VIDA" ganha força no desenvolvimento de seu monstro. Durante a narrativa, as capacidades de Calvin vão surpreendendo o espectador. O filme também é um prato cheio para biólogos trabalharem os temas em sala de aula com os alunos (seja para falar de evolução, seja para apontar possíveis derrapadas). O que a tripulação vai enfrentar é o mais puro terror, e o espectador pega carona nessa montanha-russa claustrofóbica. O diretor faz bom proveito da falta de gravidade e dos espaços restritos para criar a sensação de pânico e isolamento. "VIDA" é excitante em seus momentos inteligentes, mas é ainda mais emocionante quando os personagens se mostram idiotas - o que é, no fim das contas, um paradoxo que o filme usa com orgulho, para a possível extinção da raça humana. O filme aposta também em causar medo de forma constante. E consegue. A ação não para, elencando uma sequência arrepiante atrás da outra até chegar a um dos finais mais impactantes dos últimos tempos.


sexta-feira, 23 de junho de 2017

A CABANA (The Shack) EUA, 2017 – Direção Stuart Hazeldine – elenco: Sam Worthington, Octavia Spencer, Tim McGraw, Radha Mitchell, Megan Charpentier, Gage Munroe, Amélie Eve, Avraham Aviv Alush, Alice Braga, Carson Reaume, Sumire Matsubara, Graham Greene, Ryan Robbins, Jordyn Ashley Olson, Laura MacKillop, Emily Holmes, Nicholas Holmes, Derek Hamilton, Tanya Hubard, David MacKay, Chris Britton, Lane Edwards – 132 minutos

                    ELE NUNCA ESTAVA TÃO SOZINHO COMO PENSAVA 


A CABANA, de William P. Young, é um best-seller lançado em 2007 que já vendeu pelo menos 18 milhões de exemplares. Não é difícil entender o porquê: sua história edificante e serena, apoiada em preceitos religiosos, serve como auto-ajuda em momentos de expiação, de dor e de culpa. Diante de tais características, e tamanho sucesso, chega a ser surpreendente que sua versão cinematográfica tenha levado uma década para enfim acontecer, até mesmo pela simplicidade de sua história e dos recursos necessários para que seja apresentada. O filme em vários momentos assume um tom contemplativo de forma a construir em torno do personagem principal o conforto emocional tão procurado. Por mais que visualmente seja agradável, pelo uso de cores suaves e uma fotografia paisagística, há momentos em que a história trava de forma impiedosa, provocando um certo cansaço. Além disto, as metáforas apresentam um nítido desnível na narrativa, variando entre o didatismo extremo (trecho da Alice Braga) e o simbolismo exagerado (caso da joaninha).


Merece destaque a performance de Octavia Spencer. A ganhadora do Oscar por Histórias Cruzadas” se encaixa bem com a proposta de sua personagem. Além disto, a escolha de uma mulher negra para interpretar Deus é uma ousadia bem-vinda - feita pelo livro e seguida pelo filme, não apenas pela defesa da diversidade mas também contra a imagem estereotipada pregada ao longo dos séculos. A CABANA também ganha pontos consideráveis na comparação com outros filmes também feitos para louvar, no sentido de não ser ofensivo e maniqueísta perante o espectador. Se é nítido o objetivo de apresentar preceitos religiosos, estes são inseridos na narrativa de forma orgânica e sem a obrigação prévia de aceitá-los. Acima de tudo, trata-se de um filme sobre a fé, sem julgar descrentes nem manipular informações de forma a conquistar adeptos. Ou seja, trata-se de um filme honesto, dentro do que se propõe a ser.
Apesar de ser um filme de autoajuda, ele aborda temas, lança ideias e faz argumentos sobre temas que não tocam só quem é religioso. O perdão, a culpa, o ressentimento, a raiva, o ódio e, acima de tudo, o amor estão em debate. Apesar de trazer boas reflexões sobre perdão e espiritualidade, o desfecho acaba entregando ao espectador algo do qual o filme parecia querer fugir no começo: a igreja como necessidade de uma espiritualidade bem resolvida. A CABANA é o exemplo mais retumbante de projeto bem-sucedido na intenção de pregar para convertidos, mas que falha de forma também retumbante como entretenimento para as massas. Sua longuíssima duração é um problema, além de intermináveis e didáticos diálogos e, sobretudo, a falta de emoção, o que é fundamental para um filme. 


quinta-feira, 22 de junho de 2017

SEM RUMO NO ESPAÇO (Marooned) EUA, 1969 – Direção John Sturges – elenco: Gregory Peck, Richard Crenna, David Janssen, James Franciscus, Gene Hackman, Lee Grant, Nancy Kovack, Mariette Hartley, George Gaynes, Scott Brady, Tom Stewart – 134 minutos

            O FILME É SOBERBAMENTE CONSTRUÍDO, TENSO E TECNOLOGICAMENTE INOVADOR

Vencedor do Oscar de Efeitos Visuais (e ainda indicado a Melhor Som e Melhor Fotografia) o filme “SEM RUMO NO ESPAÇO”, produção de 1969, espanta, não pelo realismo e pelos efeitos datados, mas pela forma como parece uma premonição ao ocorrido aos astronautas da desastrosa missão da Apollo 13, que foi ao espaço um ano depois. Curiosamente, o filme foi lançado no ano em que Neil Armstrong pisou na lua (quatro meses depois) trazendo esperanças não concretizadas do sonho de colonização espacial. Em virtude disso, a visão pessimista do filme em questão possa ter afastado as audiências, já que o filme é considerado um fracasso de público.

No entanto, no filme, como no caso da Apollo 13, três astronautas partem em missão no espaço, mas um problema na nave os impede de retornar. Em Terra, a Nasa decide inicialmente abandoná-los a própria sorte, até que, com a insistência de Gregory Peck, começa uma corrida contra o tempo para trazê-los de volta dentro de um prazo mínimo pois o suprimento de oxigênio e os mantimentos dentro do veículo espacial estão acabando. As semelhanças acabam por aqui. Os astronautas são proibidos de tentar consertar o veículo pela falta de segurança. A decisão final é construir uma nave capaz de trazer os três homens em segurança, mas o único veículo disponível leva apenas um passageiro e precisa passar por adaptações. Ocorre que um furacão acaba atrapalhando a operação de lançamento. 
No entanto, no filme, como no caso da Apollo 13, três astronautas partem em missão no espaço, mas um problema na nave os impede de retornar. Em Terra, a Nasa decide inicialmente abandoná-los a própria sorte, até que, com a insistência de Gregory Peck, começa uma corrida contra o tempo para trazê-los de volta dentro de um prazo mínimo pois o suprimento de oxigênio e os mantimentos dentro do veículo espacial estão acabando. As semelhanças acabam por aqui. Os astronautas são proibidos de tentar consertar o veículo pela falta de segurança. A decisão final é construir uma nave capaz de trazer os três homens em segurança, mas o único veículo disponível leva apenas um passageiro e precisa passar por adaptações. Ocorre que um furacão acaba atrapalhando a operação de lançamento. 

quarta-feira, 21 de junho de 2017

WAR MACHINE (War Machine) EUA, 2017 – Direção David Michôd – elenco: Brad Pitt, Anthony Hayes, John Magaro, Emory Cohen, Ben Kingsley,  Anthony Michael Hall, Topher Grace, Aymen Hamdouchi, Daniel Betts, RJ Cyler, Meg Tilly, Nicholas Jones, Alan Ruck, Will Poulter, Lakeith Stanfield, Reggie Brown, Tilda Swinton, Russell Crowe, Nick Donald - 122 minutos

     UMA CRÍTICA MORDAZ E PRECISA DA INDÚSTRIA DE GUERRA DOS EUA

"War Machine" é uma sátira sólida. Ela é menos uma comédia anti-guerra do que uma sátira anti-ocupação. Ou seja, ele é anti-ocupação no sentido da guerra moderna, mas também em relação aos empregos modernos. Brad Pitt já interpretou tipos igualmente excêntricos em “Bastardos Inglórios” (2009) e “Queime Depois de Ler” (2008), mas nestes casos, os seus personagens eram tipos assumidamente limitados intelectualmente. Aqui, ele encarna a figura do “idiota genial”, um tipo profético cuja aparente incoerência serve para acobertar as ideias inovadoras. O filme tem os seus momentos fortes, é claro. Tilda Swinton e Ben Kingsley – os trunfos de Hollywood cada vez que se precisa representar alguma nacionalidade distante – se destacam em cenas pontuais de enfrentamento com McMahon, enquanto Lakeith Stanfield, um dos atores americanos mais interessantes dos últimos anos, rouba a cena quando aparece no papel de um soldado contestador. No momento em que o roteiro esquece McMahon para se focar na figura de Stanfield, a trama cresce em tensão e coerência. Além disso, a proposta de contestar a hipocrisia democrata merece espaço após tantas associações entre o belicismo e o partido republicano.

 
Ainda que pouco memorável ou mesmo icônico, "War Machine" tem qualidades o suficiente para ser estudado como mais um dos amargurados verbetes do novo filme de guerra, agenda temática da indústria americana que ganha cada vez mais força. Após um início bagunçado e caótico, "War Machine" encontra seu ritmo e se torna um filme autêntico: uma crítica mordaz e precisa da indústria de guerra estadunidense. A ora escabrosa e ora eficiente crítica, no fim das contas, consegue ser concatenada em um final interessante que coloca o filme em uma luz melhor de maneira retroativa, melhor do que os espectadores poderiam pensar em alguns dos momentos iniciais e mais crus. É um filme engraçado, triste, esquisito e sábio, algo que parece ser muito certo para a atualidade. É um filme estranho e incomum para tempos estranhos e incomuns. É um exercício de atuação para Brad Pitt e no quesito, principalmente para os fãs do ator, se sobressai. É muito curioso assistir ao ator se portando nas telas como nunca anteriormente, seja através de trejeitos, postura, movimentação corpórea ou até mesmo na peculiar forma com que corre. O filme não é engraçado o suficiente para ser uma sátira, não é realista o suficiente para contar como um comentário político e não é empolgante o suficiente para ser um filme de guerra.


domingo, 18 de junho de 2017

A BELA E A FERA (Beauty and the Beast) EUA / Inglaterra, 2017 – Direção Bill Condon – elenco: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Ewan McGregor, Ian McKellen, Emma Thompson, Josh Gad, Kevin Kline, Hattie Morahan, Stanley Tucci, Audra McDonald, Haydn Gwynne, Gerard Horan, Ray Fearon, Nathan Mack, Gugu Mbatha-Raw, Clive Rowe, Thomas Padden, Adrian Schiller, Gizmo, Harriet Jones, Adam Mitchell, Daisy Duczmal, Jolyon Coy,  Zoe Rainey, Dale Branston, Tom Turner – 129 minutos

                  UMA VERDADEIRA VIAGEM A LEMBRANÇAS DA INFÂNCIA

"A Bela e a Fera" é, de fato, um presente para quem cresceu com o clássico, uma forma de aproximar novas gerações do mesmo e também uma viagem a lembranças da infância – tanto do espectador, quanto dos personagens. Extremamente luxuoso, o filme de imediato salta aos olhos graças ao requinte na direção de arte e figurinos. Se por um lado há o nítido esforço em recriar a ambientação do filme de 1991 - a primeira animação indicada ao Oscar de melhor filme -, por outro o diretor Bill Condon entrega situações inéditas, que exigiram uma boa dose de criatividade não apenas na criação, mas também para adequá-las à narrativa clássica sem que houvesse perdas ou um certo desnível. Afinal de contas, são 45 minutos de cenas extras em relação à animação, uma quantidade considerável. Seu classicismo não é nada forçado. Assim como seu romance não é frágil. É bonito e deixa um sabor muito bom depois do final. Muito também pela bela escalação do elenco. 


Emma Watson é daquelas escolhas cirúrgicas, combinando precisamente com a personagem pelo tipo físico e o simbolismo que automaticamente traz consigo, seja pela dedicação a frente de causas feministas ou pelo próprio passado cinematográfico na pele de Hermione Granger, da série Harry Potter. Entretanto, quem realmente brilha em cena são Luke Evans e Josh Gad, intérpretes de Gaston e LeFou. Se Evans traz ao seu vilão a necessária mistura de egocentrismo e canastrice que tão bem combinam com o personagem, cabe a Josh Gad uma certa revolução em cena, já que seu LeFou traz um delicioso - e corajoso - subtexto envolvendo o desejo reprimido por Gaston. Nada explícito (em atos), mas coerente sobre o relacionamento de ambos e contundente em relação à representatividade, algo que a Disney vem trabalhando já há alguns anos, em filmes como “Zootopia”, “Moana”, Star Wars – O Despertar da Força e Rogue One. Ponto para a casa do Mickey, pela ousadia e também pela implementação tão divertida de tal proposta. Com uma mensagem tocante, uma heroína forte, uma história de amor, objetos inanimados que dançam e cantam, e alguns bons números musicais, "A Bela e a Fera" encanta novamente.

Esta versão live-action, com uma excelência de animação, garante ao espectador uma bem-vinda dose de magia e encantamento. Em parte impulsionada pelas lindas canções da animação, pelo apuro na elaboração da ambientação e também pelas novidades presentes nesta versão, trazendo frescor a uma história tão conhecida. Destaque também para o elenco de apoio formado pelos objetos mágicos, extremamente carismáticos, pelo belo design encontrado para o guarda-roupa e para a inserção da divertida cena do sapateado na canção dedicada a Gaston, criada para a versão para a Broadway. O filme inteiro é iluminado de maneira fascinante com um brilho dourado e magnífico, e se desenvolve, em seu trilhos, com um ótimo ritmo. A Bela não é mais apenas uma prisioneira sentimental, mas uma aventureira feminista. Fábula tradicional sobre a relação à aparência e aos preconceitos, o filme se enriquece com uma defesa inédita do direito à diferença. "A Bela e a Fera" traz ainda algumas surpresas em seu enredo que garantem sempre a atenção mesmo de quem já tem a animação original decorada de cor e salteado na memória. Pode não ser um filme muito corajoso ou radical, mas tem o mérito de manter a mágica ainda muito viva. Vale o ingresso. 


sábado, 17 de junho de 2017

AS MINAS DO REI SALOMÃO (King Solomon’s Mines) EUA, 1950 – Direção Compton Bennett e Andrew Marton – elenco: Deborah Kerr, Stewart Granger, Richard Carlson, Hugo Haas, Lowell Gilmore, Kimursi, Siriaque, Sekaryongo, Baziga – 103 minutos

         UMA DESLUMBRANTE AVENTURA PELO CONTINENTE AFRICANO


Em 1897, a inglesa Elizabeth Curtis (Deborah Kerr) está decidida a encontrar seu marido, Henry, desaparecido há vários anos na África.  Sua única pista é a cópia de um mapa supostamente mostrando a localização de uma mina de diamantes, a legendária fonte da riqueza do Rei Salomão. Só há um homem capaz de ajudá-la.  Trata-se de Allan Quartermain (Stewart Granger), um caçador e guia de safáris.  Entretanto, como sua mulher morrera alguns anos antes, ele pretende largar suas atividades na África a fim de levar seu filho para estudar na Inglaterra. Ganhou o Oscar de Melhor Montagem e Melhor Fotografia e foi ainda indicado ao de Melhor Filme do Ano, mas perdeu para o extraordinário A MALVADA, com a Bette Davis.
Baseado num famoso conto de H. Rider Haggard, "As Minas do Rei Salomão" é um bom filme de aventuras.  Esse conto foi o primeiro de uma série escrita por Haggard sobre o personagem e, sem dúvida, foi a maior inspiração para George Lucas e Steven Spielberg realizarem a série Indiana Jones. Realizado pelos diretores Compton Bennett e Andrew Marton, o filme inicia e termina com a fantástica batida de tambores e as belíssimas paisagens do continente africano. Em 1937, houve uma versão com a direção de Robert Stevenson. Em 1985, J. Lee Thompson dirigiu uma outra versão com Richard Chamberlain e Sharon Stone nos papéis principais. E em 2004 foi feita uma mini-série, com Patrick Swayze e Alison Doody como protagonistas. Nesta versão de 1950, entre seus pontos altos, encontram-se a deslumbrante fotografia, os magníficos efeitos especiais da época e as ótimas atuações de Deborah Kerr e Stewart Granger.


quinta-feira, 15 de junho de 2017

LOVE STORY – UMA HISTÓRIA DE AMOR (Love Story) – EUA, 1970 – Direção Arthur Hiller – elenco: Ryan O’Neal, Ali McGraw, Ray Milland, John Marley, Tommy Lee Jones, Russell Nype, Katharine Balfour, Sydney Walker, Robert Modica, Walker Daniels, Andrew Duncan – 99 minutos

                 AMAR É NÃO TER JAMAIS QUE PEDIR PERDÃO!!

Muito possivelmente o filme mais romântico já feito, LOVE STORY quebrou todos os recordes de bilheterias mundiais no começo dos anos 1970, desafiando a percepção da indústria na época de que o romance nos filmes estava fora de moda. Absolutamente belo e inesquecível!!!

Um dos mais românticos filmes já realizados, e também um dos mais populares do Cinema. É a história de um grande amor que sensibilizou toda uma geração. Foi o filme de maior sucesso da Paramount no início dos anos1970; recebeu sete indicações ao Oscar, incluindo Melhor Filme e ganhou um pela magnífica trilha sonora de Francis Lai. No decorrer das filmagens, seus realizadores perceberam que faziam algo tão especial que Erich Segal foi simultaneamente escrevendo o famoso romance baseado em seu próprio roteiro. Ryan O'Neal e Ali MacGraw também foram indicados ao Oscar e tornaram-se astros da noite para o dia, por sua comovente interpretação de um casal que quebra barreiras sociais, casa-se e finalmente enfrenta a maior crise possível. O "determinismo mágico" dos filmes hollywoodianos é virado de cabeça para baixo. LOVE STORY é um "determinismo mágico às avessas" e não é tão ingênuo quanto parece. 

Com a sua mensagem de que “Love means never having to say you’re sorry” (Amar é não ter jamais que pedir perdão), o filme trouxe uma mensagem de esperança nos bons valores de humanidade num período marcado pela guerra e uma extrema violência. O cinema norte-americano é conhecido pelos seus finais felizes, especialmente os filmes românticos. Na narrativa clássica, as pessoas encontram um obstáculo bem definido e o resolvem no final; mas LOVE StORY não é assim, mesmo sendo um grande sucesso de público nos EUA. Tudo segue a fórmula infalível dos filmes românticos, mas desde o começo, o fatalismo é evidente. Todo o filme é um flashback, com Oliver (Ryan O’Neal) sentado na neve pensando em tudo o que aconteceu desde o seu encontro com Jenny (Ali MacGraw). O começo do filme é espetacular. "O que se pode dizer de uma garota que morreu aos 25 anos? Que era talentosa, que tinha um grande futuro pela frente? Que gostava de Bach?". Ou seja, desde então, já sabemos da morte de Jenny.

O final infeliz e a dissolução do núcleo familiar da classe alta norte-americana reflete que LOVE STORY não é tão ingênuo quanto parece. O filme revela uma faceta de decomposição do "american way of life". Claro que é um filme romântico, comercial, à moda dos estúdios norte-americanos, mas apresenta algumas características que nos faz pensar sobre as transformações do modo de vida e das aspirações dos novos adultos americanos. O desencantamento, o ódio e a procura por uma identidade própria que os liberte do domínio dos pais é retratado com muita sensibilidade pelo diretor. Considerado por muitos como o filme mais romântico do cinema, LOVE STORY comoveu multidões durante anos e merece ser recordado. Para ser visto e revisto sempre!! Belo Inesquecível, Obrigatório!! 


domingo, 11 de junho de 2017

BROOKLYN (Brooklyn) Inglaterra / Canadá / Irlanda / Bélgica, 2015 – Direção John Crowley – elenco: Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson, Jim Broadbent, Julie Walters, Samantha Munro, Eileen O’Higgins, Hugh Gormley, Brid Brennan, Maeve McGrath, Emma Lowe, Emily Bett Rickards, Adrien Benn, Fiona Glascott – 117 minutos 

                             DOIS PAÍSES, DOIS AMORES, UM CORAÇÃO  


Uma história comovente e potente sobre escolhas, país, compromissos, sacrifício e amor, "Brooklin" é um retrato soberbo, luminoso e inesquecível sobre quem somos, de onde viemos, para onde vamos, e os lugares que chamamos de lar. Arrebatador e gentilmente nostálgico, o filme eleva o melodrama a um novo patamar com sua transparência emocional e sua simplicidade confiante. E possui elementos de romances antigos com uma reflexão profunda sobre a experiência da imigração. O resultado é uma narrativa terna e comovente, ajudada pelo trabalho excelente de todos envolvidos no filme, tanto em tela quanto nos bastidores. Uma obra tocante construída a partir de uma história simples, que faz um sensível estudo de personagem e que ecoa os grandes melodramas produzidos em Hollywood entre as décadas de 1940 e 1960. Essa nostalgia, contudo, é modernizada graças a uma permanente sensação de melancolia e a uma providencial contenção dramática.

           
O roteiro de Nicky Hornby é uma incrível adaptação do romance de Colm Tóibín, e perpassa os diversos estágios de alguém que está longe de sua família, da necessidade de apoio externo e a beleza do momento em que a personagem se vê madura. Consegue capturar o interesse do espectador convidando-o a participar de uma viagem sentimental e nostálgica repleta de personagens realmente cativantes. Além das maravilhosas atuações do elenco principal resulta numa crônica incrivelmente empática sobre o amor, a perda e a ideia de "lar". A falta de conflito num cenário onde o conflito está determinado como essência é um dos maiores trunfos do filme. O que tinha tudo para ser um dramalhão, ganha contornos de leveza nas mãos do roteirista Nick Hornby, que adiciona mais humor ao texto original. O resultado é delicado, tocante, belo e inesquecível.
                     
A forma como Saoirse Ronan vivencia esse drama, contida, parecendo transparente, mas aos poucos revelando a profundidade de seu drama, coloca a atriz norte-americana de apenas 21 anos como um nome promissor. Ela traz intensidade e maturidade para a sua personagem, Eilis como a sua atuação mais espetacular até o momento. A atriz encontra profundidade tanto nos momentos mais tristes, quanto nos mais contagiantes. Saoirse brilha, num registro entre a inocência e a sagacidade, como a protagonista desse belo grande filme de época (se passa no início dos anos 1950). No filme do pouco conhecido cineasta John Crowley, Saoirse é a irlandesa Eilis Lacey. Com poucas perspectivas em seu país, a tímida menina embarca, a convite do padre Flood (Jim Broadbent), para a “América”, terra das oportunidades, deixando, a contragosto, a mãe viúva e a irmã, a quem é muito apegada, para trás. Saoirse Ronan é uma encarnação estonteante do empoderamento feminino. Vista em quase todos os planos do filme com seus penetrantes olhos azuis e sua luminosa tez pálida, ela é uma força e um rosto que eleva o filme. UM DOS MAIS BELOS FILMES DO ANO!!!


sexta-feira, 9 de junho de 2017

O CONTADOR (The Accountant) EUA, 2016 – Direção Gavin O’Connor – elenco: Ben Affleck, Anna Kendrick, J. K. Simmons, Jon Bernthal, Jeffrey Tambor, John Lithgow, Alison Wright, Cynthia Addai-Robinson, Jean Smart, Andy Umberger, Jason Davis, Robert C. Treveiler, Mary Kraft, Seth Lee, Jake Presley – 125 minutos

                                        CALCULE SUAS ESCOLHAS 

Está entre os melhores trabalhos de Ben Affleck como ator. "O Contador" dá conta de tudo e, no limite, é o que o diferencia de outros thrillers aparentemente mais focados, mas que, na realidade, são só mais calcados num conceito de ação e reação para que a história ande. O início do filme logo apresenta ao espectador uma criança autista, que enfrenta dificuldades com ruídos altos e sensibilidade aguçada. Por mais que seus pais recebam a oferta de enviá-lo a uma escola especial, eles optam por mantê-lo em casa sob a justificativa de que "o mundo não é um lugar sensorial amistoso, logo ele precisa aprender a lidar com isto". Dá certo. O menino cresce, torna-se Ben Affleck e se estabelece como um excelente contador, tanto que logo é requisitado para trabalhar com algumas das maiores organizações criminosas do mundo. Tal contraste move boa parte da narrativa, ao menos na primeira metade do filme, de forma a estabelecer no espectador a dúvida sobre como aquele garoto repleto de problemas se tornou este homem. Só que há mais detalhes: Christian Wolff é um exímio atirador, capaz de acertar o alvo a uma distância de 1,5 km, e também especialista em lutas - e, assim como Murdoch, possui questões familiares mal resolvidas e um certo questionamento ético sobre os métodos por ele adotados. A loucura transborda em "O Contador" em um suspense repleto de ação, um filme intenso, intrincado e com humor negro que nem sempre faz sentido, mas quem se importa? É muito divertido.

Ainda que peque por alguns excessos e repetições, Gavin O’Connor faz uma direção segura, com uma atmosfera setentista e de mistério. E, de quebra, retoma um tema que lhe é muito caro: como as relações familiares se dão em meio à violência. A construção do ambiente é empolgante. A premissa é interessante e peculiar. A ação prende muito a atenção. O personagem principal impõe aos poucos a aura de um ser complexo, perfeito para a atividade que desempenha. E Ben Affleck está muito bem. “O Contador” não é nada senão um enigma - não exatamente um quebra-cabeça mas um filme que provoca o cérebro em três dimensões e que fica mais profundo e estranho a cada reviravolta. Existem certos filmes que podem ser considerados esquizofrênicos. São filmes com problemas de personalidade, que não sabem muito bem o que são ou desejam ser. Este “O Contador”, apesar dos muitos elogios acima, recai exatamente no quesito, não se decidindo se será um thriller, um filme de ação, uma comédia. Mas encaixa bem como um meio estudo de personagem e meio romance non-sense de aeroporto.  Muitos gêneros num só roteiro ameaçam desandar uma trama de arrancada provocante. 


quarta-feira, 7 de junho de 2017

CORRA (Get Out) EUA, 2017 – Direção Jordan Peele – elenco: Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford, Caleb Landry Jones, Marcus Henderson, Betty Gabriel, Lakeith Stanfield, Stephen Root, LilRel Lowery, Ashley LeConte Campbell, John Wilmot – 104 minutos

    NEM SEMPRE QUE SE É CONVIDADO, SIGNIFICA QUE SE É BEM-VINDO!!
O filme traz uma crítica feroz ao liberalismo branco que se considera empático em relação aos negros, mas com a condição que isso não prejudique o controle dos brancos. O diretor não se dirige a neonazistas nem pessoas que xingariam negros. Essa seria uma causa perdida. Ele realiza a proeza de nos surpreender continuamente com risadas e sustos. Mas não é pelos sustos e pelas reviravoltas que CORRA! marca uma posição tão significativa dentro do cinema norte-americano atual, mas graças ao desmantelamento que o diretor inteligentemente faz. Este é um filme muito assustador, muito divertido e tão impiedoso quanto um bisturi cirúrgico. É uma sátira e é também um exercício magistral de tensão, que não tem medo de revelar uma violência brutal, mas sempre sabe a hora certa de quebrar a ansiedade e o terror com uma piada perfeitamente executada. Criativo, repugnante, ácido, tecnicamente bom, engajante e dolorosamente real. "CORRA!” têm pitadas de drama, terror psicológico, horror e até humor. É muito eficaz na mensagem sem nunca ser engolido por ela. O elenco é muito bem escalado, com destaque especial para o britânico Daniel Kaluuya, que alterna com destreza os intensos momentos pelos quais o protagonista passa (o que inclui os de sofrimento sem igual). Pode-se dizer que é uma trama instigante e bem amarrada que acerta nas doses de suspense e terror, utilizando diálogos inteligentes para criticar a hipocrisia de uma sociedade que não aceita negros, apesar de vender a ideia de que o preconceito racial não é mais uma realidade. É um comentário subversivo e frequentemente hilário sobre etnia e raça.

O filme simples e enxuto não apresenta uma novidade no gênero terror, a cartilha hollywoodiana é seguida à risca, mas por usar o racismo como pano de fundo, acaba criando uma obra única. A estrela do filme é seu diretor e roteirista, o novato Jordan Peele, que criou um trabalho que aborda todos os níveis de racismo, homenageia alguns grandes filmes de terror, cria seu próprio caminho e tem um estilo visual singular. O cineasta realizou um terror muito sagaz, capaz não apenas de assustar, como, especialmente, incomodar – e isso tem mais a ver com a questão social que aborda do que com os sustos que provoca. Há uma construção extremamente eficiente do terror e da tensão narrativa, há um humor ácido, incômodo, mas totalmente funcional e por fim a crítica que permanece na experiência pós-filme vem à tona. O principal destaque do filme, mesmo que se engrandeça pelo passado, é sua contemporaneidade. É como um alerta, um estalo, como já se falou anteriormente, e nem por isso precisa de um discurso combatente; o filme não é denso para ser um manifesto. Perturbadora e hilária, esta fábula faz o que todos os grandes filmes de terror deveriam fazer: transformar ansiedades da vida real em material para pesadelos. Misturando uma sagaz sátira racial com terror para atingir um efeito potente, esta bombástica crítica social prova não ter medo de nada - o que não quer dizer que não dá medo. O que se anuncia como um debate padrão sobre o racismo, se revela uma concepção muito mais engenhosa em relação à raça negra. Não dá para perder.


TRINTA – Brasil, 2014 – Direção Paulo Machline – elenco: Matheus Nachtergaele, Paolla Oliveira, Mariana Nunes, Milhem Cortaz, Fabrício Boliveira, Augusto Madeira, Marco Ricca, Tato Gabus Mendes, Paulo Tiefenthaler, Ernani Moraes, Gustavo Novaes, Lea Garcia – 92 minutos

                 A HISTÓRIA DO HOMEM QUE REINVENTOU O CARNAVAL 

Essa obra quase documental mostra a interessante e divertida jornada de um artista em busca da afirmação da sua arte popular e coletiva e os percalços que ele inevitavelmente encontra no caminho. Uma homenagem mais do que merecida, e muito bem-vinda em uma época onde o politicamente correto dita as regras. E ser politicamente correto era uma coisa que Joãosinho Trinta (João Clemente Jorge Trinta), definitivamente, não era. Ainda bem. Bem conduzida pelo diretor Paulo Machline, a produção é valorizada por uma trilha sonora deliciosa e figurinos caprichados. Como se pode notar, “TRINTA” reúne qualidades que justificam a ida ao cinema. O filme cresce quando mostra o retrato do homem genial, de sua solidão no trabalho diário, a dedicação exagerada ao processo de criação. Em seu melhor momento, Joãosinho Trinta desenvolve o enredo enquanto lembra das histórias que lhe eram contadas pela avó. O diretor aprofunda na ficção a mística do personagem que o fascinou, imortalizado pela frase certeira: “O povo gosta de luxo, quem gosta de lixo é intelectual”. Ele não se deixa levar pelo brilho dos desfiles das Escolas de Samba do Rio. Faz um filme em que a mola é a simplicidade e leva a pensar se a intenção não foi realmente emparelhar-se à produção brasileira do período em que Joãosinho sagrou-se campeão pelo Salgueiro. Diferente de cinebiografias extensas que tencionam traçar o retrato de uma personalidade do (quase) nascimento à (quase) morte e acabam por dispersar o espectador, TRINTA toma a parte pelo todo.


A ambição do filme é de outra ordem: mostrar quem é Joãosinho Trinta (a imagem que temos do carnavalesco) a partir de quem foi Joãosinho Trinta (o homem antes do mito). E esse é um dos grandes méritos do filme. A produção acompanha o protagonista dos anos 1960, quando se muda do Maranhão para o Rio de Janeiro a fim de se tornar bailarino do Theatro Municipal (fato que poucas pessoas conhecem, aliás) até 1974, ano em que ele assume o posto de carnavalesco da Acadêmicos do Salgueiro, tradicional escola de samba do carnaval carioca. O filme exclui a apresentação da agremiação Beija-Flor de 1989, a mais famosa do carnavalesco (vencedor daquele ano com o enredo “Ratos e Urubus, Larguem a Minha Fantasia” – com a imagem do Cristo como mendigo censurada pela Igreja Católica). O que chama a atenção, além da atuação monumental de Matheus Naschtergaele, é a capacidade de suscitar discussões de trinta anos atrás com uma naturalidade estranhamente comum aos dias de hoje. Nachtergaele carrega a bandeira. Como disse Machline em entrevistas, o papel foi feito para ele. E a escolha não poderia ter sido melhor. Irreverente, o ator incorpora o jeito engraçado, contido e amistoso que marcou Joãosinho até sua morte. O roteiro acerta ao orbitar a trama em torno da luta de Joãosinho para fazer valer sua concepção no inovador desfile “O Rei da França na Ilha da Assombração”, conduzindo a narrativa com segurança – ainda que de maneira um tanto convencional – até o apoteótico final. Além de qualquer talento em particular, "TRINTA" é um conjunto que se revela superior do que a soma de suas partes individuais. Tem-se aqui um filme envolvente, que vai além do reduto dos fãs de Carnaval, comprovando que uma boa história é mesmo universal.